Jorge Drexler llega a Buñol para presentar su último disco “Salvavidas de hielo”

El concierto es el plato fuerte de la XV Bienal de Música de Buñol y tendrá lugar a las 22:30h en el Auditorio Municipal de Buñol

Redacción.- La gira del cantautor uruguayo Jorge Drexler llega a Buñol este viernes, dentro de la programación de la XV Bienal de Música de Buñol. El espectáculo, en el que Drexler tocará temas de su último disco “Salvavidas de hielo”, comenzará a las 223:30h en el Auditorio Municipal de Buñol.

En hoyunclick.es os dejamos una pequeña entrevista con Jorge Drexler, antes de su actuación en Buñol:

Pregunta.- ¿Qué inspiró este título para el nuevo álbum?

Respuesta.- El título del álbum alude a aquellas cosas, que aunque sabemos que son efímeras, nos regalan pequeños estados de gracia; nos mantienen a flote, a salvo de zozobras, por un rato. Es una oda a lo efímero, de hecho. Una manera de valorar las alegrías intermitentes de la vida. También elegí ese título porque me gustan las paradojas; un salvavidas que contiene su propia disolución. Agua flotando sobre agua. Un único elemento en el título, así como el disco tiene a la guitarra como único elemento sonoro y al bolígrafo BIC azul como único elemento gráfico.

“Salvavidas de hielo” fue al principio el título de un poema, luego escribí la canción a partir de esa idea y finalmente me gustó que ese contrasentido, ese juego con las palabras, fuera el título del álbum.

Pregunta.- Cuéntanos de esta iniciativa interactiva que usaste en el lanzamiento de este álbum, con Facebook e Instagram LIVE

Respuesta.- Las redes sociales son herramientas y al igual que en la música a mi me gusta experimentar con toda la platea de posibilidades que tenga a mi alcance. Desde la primera vez que hice un Facebook Live por ejemplo, me di cuenta que me gustaba ese tipo de inmediatez espontánea. Ese estar solo y estar acompañado a la vez. Me gustó la comunicación y el desafío de esa exposición, porque en un concierto uno cuenta con las armas del espectáculo: luces, sonido, distancia con el público, etc. En un LIVE -en mi opinión- importa mucho más la comunicación que la excelencia técnica. El sonido y la imagen son los que da un teléfono móvil. La cámara debe estar cerca para que se esciche y todo queda grabado, con lo cual uno está más expuesto que en un escenario.

Lo hago, sinceramente, porque me gustó cuando lo probé y porque está demostrando ser una muy efectiva herramienta de trabajo. Intento que el LIVE sea un fin en sí mismo, no la retransmisión de un concierto. Para mí, ambos son experiencias muy diferentes y complementarias.

Organicé la salida del disco junto a mi discográfica, en una serie de estos LIVEs en los que iba presentando una nueva canción cada dos o tres semanas, por la razón de que en este mundo tan disperso y de tantos estímulos, en el que cada vez es más difícil abstraerse del bombardeo de la información, me parece que ir entregando de una las canciones te da la posibilidad de “paladearlas”, de profundizar en cada una, de cantarlas y dejarlas de cantar.

Para quienes escribimos las canciones, -que pensamos que cada una es un mundo- es muy lindo ver como la audiencia se detiene tres semanas para ver cada detalle de la canción que se le ofrece. Este es un mundo de velocidad: paladear es un lujo y a la vez una necesidad, en mi opinión.

Pregunta.- ¿Cómo se dieron las colaboraciones con las artistas que participan en el disco?

Respuesta.- La verdad es que tuve mucha suerte de que estas tres talentosísimas amigas estuvieran en Ciudad de México mientras estábamos ahí grabando parte del disco. Y fueron muy generosas, porque las tres estaban en medio de muchísimos viajes y trabajo y se acercaron con todo su cariño al estudio a grabar conmigo. Son tres fuerzas de la naturaleza, la verdad, cada una a su manera. Son además tres compositoras inteligentes, fuertes y dueñas del rumbo de sus trabajos.

Cada una con su personalidad llevó a cada canción en la que participó a lugares a los que yo no hubiera podido llegar solo. Esa es la razón por la que uno invita a alguien a participar en un disco: para crecer humana y artísticamente.

Lo mismo me pasó con otros músicos mexicanos geniales aunque menos conocidos que ellas, que enriquecieron el color del disco: el gran compositor de su generación: el sinaloense David Aguilar (co-autor de “Abracadabras” y uno de mis artistas favoritos en castellano), el increíble Joel Cruz Castellanos de Los Cojolites que trajo todo el sonido Jarocho de Veracruz con sus leonas y jaranas y los sorprendentes AMPERSAN un dúo muy joven y talentoso.

Pregunta.- ¿Por qué solo guitarras?, ¿cómo se dio ese concepto?

Respuesta.- Efectivamente, todos los sonidos del disco provienen exclusivamente de la voz y la guitarra. Todos los ritmos de base que se escuchan están hechos percutiendo las diferentes guitarras: con mazas, escobillas, manos, baquetas, palillos chinos, y todo lo que se les pueda ocurrir que sirve para extraer sonido de las cajas, mangos y clavijeros del instrumento.

Quería por una parte trabajar simbólicamente con las herramientas tradicionales de la canción de autor: la guitarra y la voz, pero tratadas de manera no tradicional.

El compositor ruso Igor Stravinsky decía “cuanto más me limito, más me libero” y esa máxima fue el leitmotiv del disco: limitar las fuentes de sonido para así expandir las posibilidades sonoras de un instrumento mediante su exploración acústica minuciosa.

Desde hace más de 40 años, la guitarra es mi compañera de aventuras musicales, pero puedo decir que hay sonoridades de ella que recién conocí en este disco. De esta forma el disco funciona también como un homenaje a la relación que tengo con las seis cuerdas, (las mismas que aparecen en la portada del disco).

Pregunta.- El arte del álbum: cuéntanos más de la artista con quien colaboraste para crear la imagen y arte del álbum y los sencillos

Respuesta.- Todo el arte del disco, la cartelería de la gira y los lyric vídeos de cada canción, fueron hechos por una artista plástica muy joven de Almansa, que vive en Valencia; la maravillosa Nuria Riaza. La encontré en Internet, buscando artistas plásticos que usaran solamente bolígrafo azul para sus dibujos. Quería, igual que el disco tiene un sólo elemento musical que es la guitarra, el diseño tuviera un solo elemento visual. La contactamos y además de su enorme talento, encontramos una persona con una entrega y una capacidad de trabajo asombrosos.

Pregunta.- ¿Qué te gustaría que los que disfruten el disco se lleven?

Respuesta.- Me importa además de lo que se lleven, lo que traigan a las canciones. Las canciones son como esporas. Su vida está latente hasta que alguien las escucha y las recrea. Las que yo escribo están sin terminar, se completan con la experiencia personal de que escucha. Hay tantas versiones de una canción como escuchas.

Pregunta.- ¿Alguna anécdota que puedas compartir de la grabación?

Respuesta.- Estando en Ciudad de México, una mañana cuando leímos la prensa en el desayuno, vi la noticia en la que se contaba que una muchacha de la etnia Tarahumara había ganado una ultramaratón (50km) corriendo con su falda y sus guaraches (sandalias de cuero) tradicionales. Sin preparación específica, ni equipación deportiva de ningún tipo, como suelen correr los Tarahumaras. En esos días estábamos grabando la canción “Movimiento” y me emocionó mucho la historia de Lorena Ramírez, ese era su nombre. me pareció que sería una manera increíble de resaltar el sentido de la canción. A través del director mexicano Lorenzo Hegerman la contactamos. Y Lorenzo se fue a la Sierra de Tarahumara a filmarla corriendo. Y Lorena es ahora parte del audiovisual de la canción. Es un honor y un privilegio.

 

 

 

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